Dette blogginnlegget undersøker det fortolkningsrammeverket som er etablert av tradisjonell kunsthistorie og dets begrensninger, og utforsker behovet for nye perspektiver og utvidede fortolkningsmetoder som kreves av moderne kunst.
Kunsthistorien, som vokste frem som en uavhengig disiplin på 19-tallet, har primært fokusert på formell analyse av verk eller brukt ikonografi for å tyde symboler i dem. Denne tilnærmingen bidrar ikke bare til å forstå et verks betydning og formelle egenskaper, men befestet også den eksklusive statusen til kunstnere som allerede ble ansett som mestere av sine forgjengere. Den ga et nyttig teoretisk grunnlag for å oppdage og revurdere nye mesterverk, og dannet dermed hovedstrømmen for senere kunsthistorisk forskning. For eksempel å forstå Jomfru Maria, Jesusbarnet og døperen Johannes i Rafaels «Madonna på stolen» (1514) i henhold til kristen ikonografi, og beskrive kunstnerens og verkets historiske betydning ved å avdekke perfeksjonen av de formelle elementene – stabil komposisjon, den forfriskende kontrasten mellom primærfarger, den komplementære rød-grønne kontrasten osv. – og dermed beskrive kunstnerens og verkets kunsthistoriske betydning. Men er denne tilnærmingen nyttig for å tolke og evaluere moderne kunstverk?
Tenk på Frida Kahlos «To Fridas» (1939), som skildrer to kvinner med blottede hjerter forbundet av et tynt blodkar. Kvinnen til venstre holder en saks i høyre hånd og presser for å stoppe blødningen. Kvinnen til høyre holder en liten, rund gjenstand i venstre hånd, som skildrer en gutt. Denne gutten, avbildet som om den er skjult, er bildet av mannen hennes, Rivera. Tradisjonell ikonografi gir liten hjelp til å forstå betydningen av dette maleriet. Det konvensjonelle symbolsystemet som bidro til å tolke det blødende lammet i tradisjonelle religiøse malerier som Jesu Kristi offer, eller lyset og hodeskallen i stilleben fra 17-tallet som livets forgjengelighet, knytter seg ikke dypt til elementene i dette maleriet. For å løse denne tolkningsvansken har noen kunsthistorikere lånt teorier fra psykoanalysen og forklart at Kahlo ubevisst erstattet faren med mannen Rivera, og at denne psykologiske prosessen avsløres i selvportrettet hennes. Kahlos verk, som fikk oppmerksomhet som surrealistisk på grunn av sin uhyggelige atmosfære og ukjente farger, får nå enda høyere verdivurdering takket være slike nye tolkninger.
Som det fremgår av Kahlos tilfelle, maler ikke lenger moderne kunstnere basert på tradisjonelle motiver eller symbolske systemer fra fortiden. Derfor er ikonografiens begrensninger tydelige. Med tanke på den moderne kunstens utvikling, som beveget seg bort fra maleri bestilt av mecenerer som likte høye motiver eller intellektuell lek, til kunstnere som maler i henhold til sin egen frie fantasi og vilje, måtte kunsthistorikernes holdning til kunsthistorie naturlig nok endres.
En gruppe forskere som søkte perspektiver og teorier i kunsthistorie tilpasset det nye kunstneriske miljøet begynte å dukke opp på 1980-tallet, og deres tendens kalles «Ny kunsthistorie». Fritjofsen, en ledende skikkelse innen ny kunsthistorie, undersøker kritisk den dominerende ideologien som har styrt tradisjonell kunsthistorie – troen på at kunsthistorien må være viet til feiringen av kunstnerisk geni og estetisk universalitet – basert på poststrukturalistisk filosofi. Samtidig problematiserer andre teoretikere det faktum at temaene for eksisterende kunsthistorisk forskning hovedsakelig var vestlige hvite menn, og at metodologier var begrenset til ikonografi og formell analyse. Følgelig fokuserer nye kunsthistorikere på de flerlagede identitetene til sosial klasse, kjønn og seksualitet, representert av kvinnelige kunstnere, svarte kunstnere og andre, som aktivt omfavner ulike metodologier som marxisme, feminisme og psykoanalyse. Denne diversifiseringen av perspektiver og kriterier muliggjør nye tolkninger og verdivurderinger ikke bare av samtidsmalerier, men også av tidligere kunst.
«Gentileschis 'Judith' (1620), som fikk lite oppmerksomhet da det først ble malt, blir revurdert gjennom metodologien i ny kunsthistorie.» 'Judith' er et av de tilbakevendende temaene i vestlig kunsthistorie, og skildrer den assyriske generalen Holofernes som invaderte Israel, den unge enken Judith som halshugger ham for å forsvare landet sitt, og hennes tjenestepike. I Gentileschis maleri gjengis bevegelsene og uttrykkene til mannen som motstår døden og de to kvinnene som er fast bestemt på å oppnå sitt mål realistisk og levende gjennom chiaroscuro og fargekontrast. Til tross for den dramatiske skildringen av et verdifullt motiv, ble dette verket lenge ikke verdsatt. Det fikk et bredere grunnlag for forståelse gjennom et feministisk perspektiv, noe som førte til en ny evaluering.
På denne måten gir ny kunsthistorie oss muligheten for en rikere tolkning og evaluering av kunst ved å knytte den tett til ulike kontekster som historie og sosiale omstendigheter.
