Ez a blogbejegyzés a hagyományos művészettörténet által létrehozott értelmezési keretet és annak korlátait vizsgálja, feltárva a modern művészet által megkövetelt új perspektívák és kibővített értelmezési módszerek iránti igényt.
A 19. században önálló tudományágként megjelenő művészettörténet elsősorban a művek formai elemzésére összpontosított, vagy ikonográfiát alkalmazott a bennük rejlő szimbólumok megfejtésére. Ez a megközelítés nemcsak a mű jelentésének és formai jellemzőinek megértésében segít, hanem megszilárdította azoknak a művészeknek az exkluzív státuszát is, akiket elődeik már mestereknek tartottak. Hasznos elméleti alapot nyújtott új remekművek felfedezéséhez és újravizsgálatához, ezáltal kialakítva a későbbi művészettörténeti kutatások főáramát. Például Szűz Mária, a kis Jézus és Keresztelő János megértése Raffaello „Madonna a székben” (1514) festményén a keresztény ikonográfia szerint, valamint a művész és a mű történelmi jelentőségének leírása a formai elemek tökéletességének feltárásával – stabil kompozíció, az alapszínek élénkítő kontrasztja, a kiegészítő vörös-zöld kontraszt stb. –, ezáltal leírva a művész és a mű művészettörténeti jelentőségét. De vajon hasznos ez a megközelítés a modern műalkotások értelmezéséhez és értékeléséhez?
Vegyük például Frida Kahlo „Két Frida” (1939) című festményét, amely két nőt ábrázol, akiknek a szívét egy vékony ér köti össze. A bal oldali nő jobb kezében ollót tart, amellyel nyomást gyakorol rájuk, hogy elállítsa a vérzést. A jobb oldali nő bal kezében egy kis, kerek tárgyat tart, amely egy fiút ábrázol. Ez a fiú, akit mintha elrejtve ábrázolnának, férje, Rivera képmása. A hagyományos ikonográfia kevés segítséget nyújt a festmény jelentésének megértéséhez. A hagyományos szimbolikus rendszer, amely segített a vérző bárányt a hagyományos vallási festményeken Jézus Krisztus áldozataként, vagy a gyertyát és koponyát a 17. századi csendéleteken az élet múlandóságaként értelmezni, nem kapcsolódik mélyen a festmény elemeihez. Ennek az értelmezési nehézségnek a megoldására egyes művészettörténészek a pszichoanalízisből kölcsönöztek elméleteket, azzal magyarázva, hogy Kahlo öntudatlanul férjével, Riverával helyettesítette apját, és hogy ez a pszichológiai folyamat az önarcképében is megmutatkozik. Kahlo munkája, amely hátborzongató hangulata és szokatlan színei miatt szürrealistaként vált ismertté, most még magasabb értékeléseket kap az ilyen új értelmezéseknek köszönhetően.
Amint Kahlo esetében látható, a modern művészek már nem a hagyományos témák vagy a múlt szimbolikus rendszerei alapján festenek. Ezért az ikonográfia korlátai egyértelműek. Figyelembe véve a modern művészet pályáját, amely eltávolodott a magasztos témákat vagy intellektuális játékot kedvelő mecénások megrendelésére készült festészettől a saját szabad képzeletük és akaratuk szerint festő művészek felé, a művészettörténészek művészettörténethez való hozzáállásának természetesen meg kellett változnia.
Az 1980-as években kezdett kialakulni egy olyan kutatócsoport, amely a művészettörténetben az új művészeti környezethez illő perspektívákat és elméleteket kereste, és irányzatukat „új művészettörténetnek” nevezik. Fritjofsen, az új művészettörténet egyik vezető alakja, kritikusan vizsgálja a hagyományos művészettörténetet irányító domináns ideológiát – azt a meggyőződést, hogy a művészettörténetet a művészi zsenialitás és az esztétikai univerzalitás ünneplésének kell szentelni – a posztstrukturalista filozófia alapján. Eközben más teoretikusok azt a tényt problematizálják, hogy a meglévő művészettörténeti kutatások alanyai túlnyomórészt nyugati fehér férfiak voltak, és hogy a módszertanok az ikonográfiára és a formai elemzésre korlátozódtak. Következésképpen az új művészettörténészek a társadalmi osztály, a nem és a szexualitás többrétegű identitására összpontosítanak, amelyet női művészek, fekete művészek és mások képviselnek, aktívan átvéve a különféle módszertanokat, mint például a marxizmus, a feminizmus és a pszichoanalízis. A perspektívák és kritériumok diverzifikációja nemcsak a kortárs festészet, hanem a múlt művészetének új értelmezését és értékbecslését is lehetővé teszi.
„Gentileschi Judit (1620) című festménye, amely eleinte kevés figyelmet kapott, az új művészettörténet módszertanán keresztül újraértékelődik.” A Judit a nyugati művészettörténet egyik visszatérő témája, amely az Izraelt megszálló asszír hadvezért, Holofernészt, a hazája védelmében lefejező fiatal özvegyet és a szobalányát ábrázolja. Gentileschi festményén a halálnak ellenálló férfi és a céljuk elérésére elszánt két nő mozdulatait és arckifejezéseit realisztikusan és élénken ábrázolja a fény-árnyék és a színkontraszt. Annak ellenére, hogy drámai módon ábrázolt egy értékes témát, ez a mű sokáig nem értékelték. A feminista perspektíván keresztül szélesebb körű megértésre tett szert, ami új értékeléshez vezetett.
Ily módon az új művészettörténet a művészet gazdagabb értelmezésének és értékelésének lehetőségét kínálja számunkra azáltal, hogy szorosan összekapcsolja azt olyan sokszínű kontextusokkal, mint a történelem és a társadalmi körülmények.
